Breaking the Waves

Nuevamente, traigo el comentario de una película del notable Lars von Trier. Esta vez, se trata de Breaking the Waves, un conmovedor film enmarcado dentro de su trilogía de los corazones dorados, junto con Bailarina en la Oscuridad y Los Idiotas.

Lo que nos presenta von Trier en esta oportunidad es una descarnada historia de amor, un llanto amargo de dolor, dicha, erotismo, y por sobre todo, locura. Desde un primer momento se puede apreciar la influencia de Dreyer en esta obra, sobre todo de Ordet, además de pincelazos del Marqués de Sade. La historia transcurre en la Escocia de los años 70, en un pueblo pequeño que se basa en las creencias religiosas. Allí conoceremos a la protagonista del film, Bless, una mujer inocente, y sencilla, que está presta a casarse con un joven extranjero, Jan, por lo que pide permiso en su comunidad religiosa para así poder desposarse (no son vistos con buenos ojos los extranjeros en su localidad) . El permiso es concedido, por lo que se casan. Allí inician una travesía llena de erotismo y pasión entre ambos. Bless es virgen, por lo que todo lo que sucede en este período es nuevo para ella. Pero luego de un tiempo, Jan debe partir a trabajar en medio del océano, donde extrae petróleo en una fábrica. En ese tiempo de soledad, Bless muestra su personalidad inestable, y su estado de ánimo tambaleante. Pide a Dios (con quien tiene una relación bastante cercana, pues éste le habla directamente a través de ella, por lo que puede entablecer diálogo con la deidad) que Jan vuelva pronto, ya que no puede esperar ningún momento más. Es así como su esposo llega al día siguiente, pero parapléjico, debido a un accidente en el trabajo. Y es en este punto donde se desarrolla lo tórrido de la historia, pues Jan, al verse inmóvil, pide a Bless que lo mantenga vivo por medio del sexo con otros hombres, pues al no poder realizarlo, si se le llegase a olvidar lo que es el acto amatorio morirá, pues sus deseos de vivir se desvanecerán. Es así como Bless se entrega en brazos de hombres extraños para así poder mantener vivo a Jan el mayor tiempo posible, pues ella vive por y para él. Toda esta conducta trae revuelo en la conservadora localidad escocesa, por lo que Bless se tiene que ir en contra de su iglesia, de su madre, y de sí misma, para salvar la vida de su amado, llegando a un final mágico, desesperado, y angustiante.

Breaking the Waves es uno de los puntos cumbres de la filmografía de este genio del cine como es Lars von Trier. A un año de haber dado a conocer el manifiesto del Dogma 95, von Trier realiza esta obra donde ya se vislumbran ciertos aspectos de los votos de castidad. La película está rodada en 35 mm. y con cámara en mano. Esta forma de tratar el film le da un dinamismo increíble a la pieza, como así también mayor carga dramática. Los planos secuencia hechos por medio de este recurso son muy bien logrados, además del aspecto barroco que le da en la fotografía, resultado gracias al trabajo de Robby Müller, quien dentro de su currículum cuenta trabajos con Jim Jarmusch y Wim Wenders. En este aspecto, las imágenes granuladas también dan cierta sensación de estar viendo una pintura puntillistas de finales del s. XIX, lo que también ayuda con el aire sombrío y melodramático del guión. La película en sí podría tener dos sentidos respecto a la forma de presentar el relato. En un primer punto, el hecho de estar filmando con una 35 mm. y con cámara en mano y con continuo movimiento, da la sensación de que la historia es real, acercándose al formato documental, con una ausencia casi total de música ambiente. Pero en un segundo sentido, como es habitual en von Trier, el film se realza como una ficción novelesca melodramática, que se manifiesta primeramente en la división de la historia en siete capítulos y un epílogo, cada uno con un nombre que describe linealmente los sucesos que van acaeciendo en el filme. Como si fuera poco esto, en la presentación de cada capítulo se expone un cuadro de una localidad de Escocia, junto con alguna canción de los 70's, apareciendo las voces de David Bowie y Deep Purple, entre otros. Esta dualidad extraña, hace que el filme alcance ribetes aún más dramáticos, pues si bien nos parece una historia real, corresponde a una ficción desgarradora, sobre la locura del amor, que puede (o no puede) existir en la realidad. Todo esto coronado con un final que alcanza lo onírico y lo fantástico.

En cuanto a la trama, como ya he dicho en el curso de estas líneas, es una apuesta visceral, angustiante, que involucra niveles exquisitos de desazón, deseo, esperanza y por sobre todo, fé. Von Trier nos muestra a una mujer compleja. A simple vista parece una mujer con cierto retraso y con brotes psicóticos, debido a una dura infancia. Su madre y la Iglesia le han impuesto un calvinismo del cual le es imposible escapar: debe ser buena, pues de lo contrario su destino será el infierno. Ante esa rígida enseñanza, Bless conforma una personalidad bastante ingenua de la vida, con síntomas esquizoides, en cuanto puede dialogar con Dios directamente, guiándole éste su camino. Además, tiene episodios de histeria, que comenzaron con la muerte de su hermano, y que se desatan nuevamente con el ir y venir de Jan. Su debilidad mental la hace creer que sus actos promiscuos alimentan el bienestar de Jan, debido a que lo hace vivir por medio del deseo carnal y el amor físico que hace conectar sus espíritus. A simple vista, Bless es una loca rematada, con retardo intelectual y con síntomas psicóticos, con una personalidad límite que pasa del éxtasis al llanto en un par de segundos. Pero, sin embargo, por muy bien que sabía esto el doctor que la atendía, él dice ya cerca del final del film que su enfermedad era la "bondad". Entregar su propia vida en virtud del amor que sentía por Jan, pues ella no disfrutaba sus perversiones sexuales con los extraños, sólo la satisfacía el hecho de conectarse de forma mística con su esposo. Muchos críticos opinan que Bless en verdad es una mártir de una sociedad rígida y demandante, que se abandona hasta a sí misma para hacer el bien por el otro, por el amor hacia el prójimo, otorgándole la vida, pese a perderla ella misma. Esta visión en von Trier se repetiría en Dogville, con la Grace de la primera parte del film. Sin embargo, yo no me inclino por esta visión. ¿Es realmente Bless tan despojada y buena? ¿Es ella un mártir del amor? Según mi visión, esto no es así. Sé que muchos no estarán de acuerdo conmigo, pero Bless es el ícono cierto de cómo la religión y el amor que ella enseña, ese amor egoísta y celoso, es un calvario para cualquier sociedad. Bless no es un alma bondadosa en sí misma, ni tampoco es una enamorada perdida y que todo lo hace por el amor. Sigo creyendo que es el personaje más idiota del film, y en parte el más posesivo. Ella no peca de bondad, peca de egoísmo, ese egoísmo que entrega el amor concebido desde la perspectiva romántica. Ella, quien tiene una relación especial con Dios, intuye que al pedirle que vuelva pronto Jan él se la enviará de una forma no del todo sana. Pero no le importa, ella quiere de vuelta a su esposo como sea. Primera evidencia de su egoísmo. Luego, cuando Jan parapléjico le pide que tenga un amante, al principio lo hace de buena fé, para que ella reconstruya su vida. Pero ella, obsesiva como es, lo toma a mal, y se enoja con él por ese pensamiento. Se siente ofendida con Jan pese a su estado. El marido tiene que encontrar en esa forma perversa el hecho de que ella pueda volver a hacer su vida. Claro que después todo se escapa de sus manos y termina pervirtiéndose su espíritu también, probablmente por su problema encefálico. De todas formas, Bless se entrega totalmente a ese patrón, despojándose precisamente de su voz y de sus ideas, para así ayudar a su amado. ¿No es eso un acto de lo que las feministas se espantarían un poco? Se sacrifica a tal punto en que ella deja de existir como Bless, y ya es parte del imaginario perverso de Jan. Eso es negar la vida. Niega su propia vida para así hacer vivir a su esposo, pese a que éste desea morir. Incluso, su deseo de hacer vivir a Jan va más allá de lo que éste pueda decidir. El amor que ella tiene de su esposo es totalmente cosificante, egoísta, y privado. Es ella, finalmente, y su alter ego, que es el mismísimo Dios, quienes deciden lo que es mejor para ambos, aunque tenga que entregar su propia vida en ello. El amor así entendido, es un sentimiento bastante menos bello del que me gustaría participar. El cosificar al otro para el bienestar propio me parece de lo más poco sensato y agradable. Y es lo mismo que hace la Iglesia. Haz todo por el prójimo, porque esto será recompensado en el reino de los cielos. Es llevar el amor a un absurdo de locura y pasión absoluta, sin ningún tipo de respeto por el pensamiento ajeno. Dodo, la cuñada de Bless, es el personaje más sensato en el film. Protege a esta mujer de sí misma, y trata de conectarla con un mundo más real y menos basado en las creencias ciegas. Pero de todas formas la ama, la respeta, y le da valor a sus decisiones. Aun cuando en algún momento le enrostra que es una estúpida, Dodo lo hace con sinceridad, respecto a lo que piensa en ese momento de Bless (algo que en realidad no es así). La fé mueve montañas, dicen, pero también devasta vidas. Y eso es lo que ha hecho con Bless, que siendo en su corazón buena e ingenua, su fé le juega en contra, cometiendo errores tras errores. Finalmente, podríamos decir que el amor de Bless es la viva imagen del despojo propio en virtud del ser amado, que trae consigo cierta locura necesaria para hacer tales conductas irracionales. Termina siendo muda, sorda y ciega dentro de su propio mundo de fantasía, que es el querer al otro de una forma más allá de lo comprensible ¿No es lo mismo que hace la oveja en el rebaño del Señor?.

Desgarradora película es ésta. Si quieren ver un cine romántico distinto y algo torcido, esta es su película. Si quiere ver un melodrama de hasta donde puede llegar el amor, también lo es. Por último, si tan sólo quiere ver buen cine, es obligación ver este film. No se arrepentirá.

Ficha Técnica
Año: 1996
País: Dinamarca
Director: Lars Von Trier
Guión: Lars Von Trier
Fotografía: Robby Müller
Reparto: Emily Watson, Stellan Skarsgard, Katrin Cartlidge, Jean-Marc Barr, Udo Kier, Adrian Rawlins, Mikkel Gaup, Jonathan Hackett, Sandra Voe, Roef Ragas, Phil McCall, Robert Robertson, Desmond Reilly, Sarah Gudgeon, Finlay Welsh, David Gallagher
Género: Drama

Pulp Fiction

Qué clase! Luego de ver un par de minutos de cualquier película de Tarantino, uno puede comprender hasta dónde puede llegar su genialidad. Esos diálogos hilarantes de filosofía pop neocontemporánea, llevando al absurdo una serie de situaciones, ideas y un gran etcétera, es marca registrada de este gran autor. Comenzando por su "Reservoir Dogs", una pieza exquisita del cine, Tarantino ha sabido conjugar de buena manera ideas arriesgadas, autoría, ritmo, giros temporales, y la hilaridad que lo caracteriza.

Pulp Fiction es una historia que comienza con una especie de prólogo (donde Tarantino desplega toda su capacidad de filosofar de cualquier tema absurdo), en donde se nos presenta a Vincent Vega (John Travolta) y su colega-amigo Jules (Samuel L Jackson), que van a saldar cuentas con unos mocosos que han tenido la genial idea de querer verle la cara a un jefe mafioso, el respetado Marcellus Wallace. Desde este comienzo se vislumbra lo que nos depara la película: una serie de situaciones absurdas llenas de humor negro y una muy buena carga de "ultraviolencia", como diría Alex di Large. La película se divide, aparte de este prólogo, en 3 historias que no siguen un tiempo cronológico, y que cuentan con distintos protagonistas por cada una de ellas, pero con el mismo universo de personajes. Así, vemos que la primera ("Vincent Vega y la esposa de Marcellus Wallace") cuenta las situaciones que pasan Vincent y la esposa de Marcellus (interpretada por una lindísima Uma Thurman) cuando el primero debe entretenerla mientras el jefe no está. La segunda ("El reloj de oro"), es sobre los acontecimientos que le suceden a Butch (Bruce Willis), un boxeador de mala muerte, cuando engaña a Marcellus ganando una pelea cuando debía perderla. Y finalmente, la última historia ("La situación con Bonnie") nos remonta nuevamente al prólogo, y nos cuenta qué sucede luego de ese momento, hasta cuando llegan a la cafetería Vincent y Jules en donde se encuentran los primeros personajes que vemos en la película, Pumpkin y Honey Bunny.

Lo interesante de Pulp Fiction es por sobre todo el ritmo (mezclado con la música), los tiempos narrativos, y los guiños al cine clásico y a otros que no los son tanto (el famoso pastishe en el cine). En cuanto al ritmo, cabe decir que Tarantino es uno de los autores que mejor los maneja, utilizándolo para que sus filmes tengan una velocidad al parecer abismante, pero que, si nos detenemos un momento, no lo son tanto. Hay momentos largos de diálogo sin sentido, sobre todo aquellos donde se encuentra Vincent y Jules (cómo olvidar a Vincent con sus "pequeñas grandes diferencias" o su teoría respecto a los masajes de pies), en donde no ocurre nada importante en la historia. Gran parte de Pulp Fiction está en torno al absurdo de estos diálogos, al igual del absurdo de las situaciones que se cuentan. Pero entonces ¿por qué el ritmo en las películas de Tarantino parecen ser tan vertiginosos? Es aquí donde entra el factor música y el uso de la cámara. La cámara en Pulp Fiction está en un continuo movimiento, y cuando está quieta, tiene ángulos muy al estilo del pop-art, sumando también ángulos poco habituales para el espectador. A esto se le suma el buen uso del aspecto musical, acompañando gran parte de la película a llevar el ritmo lúdico que le quiere dar el director (logrado a cabalidad). A lo dicho anteriormente, hay que agregarle nuestro segundo punto: los tiempos narrativos. Con Tarantino nunca sabemos cuándo es presente, futuro o pasado: su película es todo eso al mismo tiempo. Los acontecimientos se van sucediendo dependiendo hacia donde nos dirigen los momentos narrativos y ritmos para lograr una obra global. Eso lo vemos no sólo en Pulp Fiction, sino que también en Reservoir Dog y Kill Bill. Los tiempos van y vienen, en un momento estamos en lo que pasó, luego en lo que pasará, pero realmente siempre es lo que pasa. La obra de Tarantino siempre está en presente, pues sus historias son simples, y lo que la hacen geniales es la forma de tratarlas, con saltos narrativos, con ritmos vertiginosos, con situaciones absurdas, con buena compañía musical, con violencia grosera, en fin, con genialidad. Y también, por su cinefilia obesesiva. Toda situación en sus películas se refieren a algún clásico o alguna pieza más moderna. Toda escena de Tarantino, podríamos decir, es un pequeño homenaje al cine negro, al cine oriental, al spaguetti western, etc. Es impresionante todos los guiños que se hacen en sus películas. De hecho, Ezequiel 25:17, que pronuncia Jules antes de ejecutar a uno de los traficantes al principio de la película, no es un pasaje de la biblia, sino que es una frase sacada de dos películas de artes marciales de Sonny Chiba. Y si aún no creen, den un vistazo nuevamente a la película aquí comentada anteriormente, Mean Streets, y descubran los guiños que hace Tarantino con su Pulp Fiction.

Pulp Fiction, finalmente, es una alegoría y una oda al posmodernismo y al nihilismo americano. Absurda, violenta, inmoral, muestra una sociedad sin aspiraciones ni creencias fuera de lo mundano (a excepción de Jules, pero eso es materia de largo análisis). Nos gusta incluso el desprecio por la vida que se muestra en el film. La sangre brota escandalosamente y nos parece gracioso, y es porque efectivamente es gracioso. La pérdida de una vida humana, desde la abstracción que nos da el estar frente a una pantalla, presentado además en la forma que nos muestra Tarantino, nos parece de lo más jocoso. Pues en el mundo Tarantiniano la vida es una comedia, una comedia negra, por cierto, pero no es más que eso. Deja de ser una tragedia que nos lleva casi a un final escatológico. Temas como el maletín de Marcellus, o la conversión de Jules, y sus palabras finales, dan también otro toque al film. Un momento donde el espectador debe encajar las situaciones en una película de caracter distinto, por lo que obliga a replantearse lo que uno acaba de ver.

En fin. Pulp Fiction es brillante en todas sus líneas, tanto en guión como en dirección. Tiene una cantidad infinita de situaciones pop: la frase de Jules de Ezequiel 25:17, el maletín de Marcellus, los típico diálogos de Vinncent, el baile entre Travolta y Thurman, la historia del reloj de oro, y un larguísimo etc. Análisis del argumento se pueden hacer millares, y para que decir de las referencias tanto del cine como de la cultura pop que utiliza Tarantino para el film. Esta es una película IMPRESCINDIBLE para todo el mundo, no sólo para los que gustan del buen cine. Hay un antes y un después de Pulp Fiction. El que no la ve, no sabe nada de la vida.

Ficha Técnica
Dirección:Quentin Tarantino
Producción: Lawrence Bender
Guión: Quentin Tarantino, Roger Avery
País: EE.UU
Año: 1994
Reparto: John Travolta, Samuel L. Jackson, Uma Thurman, Bruce Willis, Harvey Keitel, Tim Roth, Ving Rhames, Amanda Plummer, Christopher Walken

Amator (Camera Buff - El Aficionado)

Que Kieslowski fue un genio del cine qué duda cabe. Sólo basta con observar "La Doble Vida de Verónica", la trilogía de los colores, y por sobre todo, la monumental obra de "El Decálogo" para darse cuenta que quien nos entrega esas obras es simplemente un maestro de la cinematografía. En esta oportunidad, no comentaré ninguna de los filmes antes mencionados, sino una obra anterior, una de las primeras ficciones del polaco, que muestra una emotividad abismante, y también denota un dejo de toque intimista. Lo que más definiría a "Amator" es su carácter tormentoso nostálgico, que nos acerca al dolor de acercarse a uno mismo, y los costos de esta experiencia osada. Contada de forma simple, y sin ese entramado complejo de texturas que nos expondrá en sus siguientes películas, "Amator" es directa y sin contemplaciones, va de forma seca a emocionar al espectador, utilizando medios desde lo cómico hasta lo trágico.

El filme trata sobre Filip Mosz, típico obrero de una industria en la Polonia de finales de la década de los 70's, que reside en un pueblo cercano a Cracovia. La historia comienza cuando Filip recibe la noticia de que tendrá un hijo con su mujer. Al nacer el niño, el protagonista compra una cámara (una super8) para poder grabar en todo momento su crecimiento. Al ser una de las pocas personas que posee uno de estos aparatos, la voz se corre por el pueblo, por lo que otra gente le pide que las filme. Luego, en la empresa donde trabaja, le piden que sea el camarógrafo oficial de los eventos ésta, con lo que cada vez más su afición a la cámara va creciendo, gastando cada vez más y más su tiempo. Comienza a grabar todo lo que pueda. En este período, lo que le interesa es plasmar fielmente la realidad, tomar copias visuales de lo que acontece en su exterior. Todo este ascenso en su "hobby" trae consigo un descenso a nivel de su vida personal. Su mujer tiene ataques de histeria pues está gran parte del día sola cuidando a su hijo, por lo que siente desamparo por parte de su marido. Filip, que al principio se ve como un hombre algo ingenuo tanto en su vida cotidiana como con respecto a la cámara, comienza a madurar en estos dos ámbitos, haciéndose más duro y ganando experiencia en el arte audiovisual. Es así, como llega a participar en un concurso de videoaficionados, en donde se destaca y los ojos de los expertos se posan sobre él. Así, la película va transcurriendo en esta historia de maduración y de experiencia vivida por el personaje, encrudeciéndose el relato junto con Filip, transformándose la afición a la cámara en una esfera que lo consume totalmente, viviendo sólo lo que puede observar a través de su lente, destruyendo gran parte de lo que no es captado por sus cuadros.

Si bien, como se puede observar, es una historia sencilla, sus niveles de profundidad son increíbles, y sus imágenes contienen una carga emotiva poética. Si bien muchos críticos han analizado esta película como una más dentro de las llamadas "cine dentro del cine", creo que este nivel es totalmente básico y sin ningún otro esfuerzo por comprender lo tormentoso de la cinta, y el pesimismo existencial que ésta conlleva (este estilo del "cine dentro del cine" siempre me ha parecido una forma bastante simplista de mirar los filmes, sólo baste ver las visiones reduccionistas y someras respecto a "8 1/2" de Fellini para darse cuenta la equivocación en el análisis). Esta es una obra que nos habla por sobre todo de las formas de vida individuales y de sus caminos disímiles con respecto a las expectativas sociales, de una manera pesimista y trágica. Nos habla del ser alienado y su imposibilidad de escapar de ese mundo que no le pertenece y que no quiere, pero que finalmente termina imponiéndose, la mayoría de las veces de forma violenta e indirecta. Filip comienza el filme como un sujeto inocente que su mayor aspiración en la vida era formar una familia, y es por eso que sus primeras incursiones en el lente es el de captar la realidad tal y como es. Pero ha medida que avanza su afición, también lo hace su madurez, y sus deseos propios. Es por eso que cuando su esposa le pide que deje la cámara, que deje esa afición, pues los está destruyendo, Filip responde que no puede dejarlo, pues "no sé qué es, pero es algo grande, y puede que sea mayor que la felicidad que da la paz y la tranquilidad del hogar". Así, incluso en su fase ingenua, el personaje intuye el hecho de que este "hobby" ya no es meramente eso, sino que es algo superior a todo lo vivido anteriormente. Y es que la cámara para Filip no es más que su propio proyecto de vida, ya que ha encontrado en la cámara su real fuente de dicha, su real forma de vivir, Es por eso que el protagonista ha medida que avanza la película se va fusionando con el acto de grabar, pues el acto de grabar no es otra cosa que su vida misma. Y esto está bellamente simbolizado en la escena final del film, con un Filip devastado por las pérdidas y las frutraciones vividas. El personaje está en su casa vacía, mirando a la "culpable" de su desgracia, cuando de pronto toma conciencia de algo. Él imprime las imágenes del mundo a través de sus ojos, pero, ¿cuándo se ha visto a sí mismo?. Filip toma la cámara y se graba a sí, mientras relata lo que aconteció al principio de la película, cuando iba a ser padre. Esta escena, que carga con sentimiento de derrota y de nostalgia, nos muestra que Filip y su cámara ya son lo mismo, con lo que da término al film. Con su autofilmación confirma su existencia en la cinta, quizá lo único verdadero en su vida. Es por eso que vemos al personaje crecer junto con su habilidad en la cámara, pues si bien capta las imágenes como son, luego se da cuenta que el lente no muestra la realidad, nunca la muestra, sino que la construye desde su propia perspectiva. De ser un simple obrero y seguir los requerimientos de un patrón ajeno a sí mismo, Filip logra dar con algo propiamente suyo, su propia visión de la vida. La cámara no es otra cosa que sus propios ojos, y más aún, su propio ser. Es por eso que sus pares se emocionan por lo que plasma en las pantallas, pues se ven así mismos, ven su misma realidad pero con otros ojos. Los realza y los ensalza. Devela, finalmente, sus existencias anónimas, pasando a ser parte de la memoria indeleble del mundo. Sin embargo todo esto, la película muestra un desolador final, en donde el anhelo de Filip se ve truncado por sus mismos lazos sociales. Los productores de sus cintas lo censuran, su propia familia lo boicotea. Finalmente, frenan su espíritu, lo quieren nuevamente ingenuo, hogareño, trabajador. Lo quieren sin voz, sin su esencia. Lo quieren sin su libertad, esa libertad dada a través de la "causa sui" nietzscheana. Así, Filip termina encerrado consigo mismo, su yo contra su súper8 , que también es su sí mismo, sin interacción con ese mundo que lo ha abandonado y no lo ha permitido expresarse. Finalmente, no lo dejó vivir.

Un excelente filme, tanto por su simplicidad audiovisual como por su complejo mensaje. La película viaja a través de su protagonista perdiendo el humor y la esperanza de un principio, y terminando con un frutrado Filip lleno de dudas y sumido en sí mismo. Las imágenes van perdiendo complejidad ha medida que avanza el film, denotando la desazón del personaje. Así mismo, la música se va haciendo cada vez más melancólica, al igual que el ritmo, que se va haciendo más pausado ha medida que transcurre la historia. Para quien se quiera emocionar con una tragedia contemporánea, a ver esta película de inmediato.


Ficha Técnica

País: Polonia
Año: 1979
Dirección y Guión: Krzysztof Kieslowski
Género: Comedia, Drama
Reparto: Jerzy Stuhr, Malgorzata Zabkowska, Ewa Pokas, Stefan Czyzewski

Bom yeoreum gaeul gyeoul geurigo bom (Primavera, verano, otoño, invierno... y otra vez primavera)

Preciosa. Una poesía audiovisual desde el punto de vista de la fotografía, las secuencias, y la música. Kim Ki-duk, el surcoreano director y potente estandarte de la cinematografía asiática, nos presenta una película hermosa para observar y deleitarse. Dejando de lado la crudeza presentada antes con películas como "La isla" o "Bad Guy", "Primavera..." nos presenta un filme calmo, que toma las tradiciones orientales, por sobre todo el budismo zen. El argumento es bastante sencillo, y juega, tal como lo presume su nombre, con lo cíclico que tiene la vida, y el mundo humano mismo, simbolizado con las estaciones del año que se repiten una y otra vez sin cesar. Nuevamente, como ya es costumbre en Ki-duk, deja en claro la visión pesimista del ser humano, donde la única salida de ésta es una vida austera y asocial para derrotar los más oscuros pensamientos del hombre, propios de su naturaleza (casi como un escape del nivel cíclico de la rueda del samsara, pero ya a niveles terrenales y tiempo históricos definidos).

La historia, como bien decía, es bastante simple, aunque sus niveles simbólicos-filosóficos pueden ser algo más elevados, tomando en cuenta la poesía audiovisual que va transcurriendo en el film. La locación es en algún lugar oriental del mundo, donde la vegetación es el alma misma de la tierra. En aquel lugar, en medio de un lago gigantesco, vive un maestro budista con un niño, su discípulo. Aislados de la sociedad, su vida se basa en la espiritualidad, por lo que salen del lago solamente a buscar hierbas medicinales o a contemplar la vida silvestre (para esto tienen un bote que los transporta desde la casa a tierra firme). En aquella primavera, el niño va a tierra a buscar medicinas, pero mientras se encuentra en ello, se entretiene amarrándoles a unos animales (un pez, una rana y una serpiente) una piedra en sus cuerpos, con lo que disminuyen su movilidad. Sin que el niño sepa, es sorprendido por su maestro, por lo que cuando el primero vuelve a su casa en el lago, mientras se encuentra dormido, el maestro le amarra una piedra a la espalda, como señal de su crueldad con la naturaleza. Al despertar, el pequeño recrimina a su mentor por su acción, pero éste le dice que sólo desamarraará la piedra cuando el niño desamarre la de los tres animales a los que también ató si es que se encontraran vivos. Si es que se encuentra al menos uno sólo muerto, el maestro le advierte que "...cargarás por el resto de tu vida con esa piedra en tu corazón". El niño, al buscar los animales, sólo halla con vida a la rana, mientras que el pez y la serpiente se encuentran muertas. Ahí vemos al niño llorar con amargura por su propia capacidad de errar y traer consecuencias fatales en los otros. A decir verdad, el niño llora al darse cuenta que aquello es propio de su naturaleza, y tendrá que cargar con ello el resto de su existencia. Así comienza el film, en la primavera de este niño. La película se divide en 5 episodios, a saber: Primavera, Verano, Otoño, Invierno, y nuevamente Primavera. Cada espisodio no es temporalmente lineal, sino que da saltos futuros en el tiempo. Luego de esta primavera, por ejemplo, comienza el verano, pero con este niño ya adolescente y enfrentándose a su sexualidad frente a una chica que llega al santuario flotante para sanarse de una enfermedad que la aqueja. En el otoño vemos al díscipulo de 30 años volver donde su maestro (puesto que en su adolescencia escapa), para luego irse nuevamente ya no por voluntad propia, sino por un dictamen social. En el invierno vemos ya a este joven convertido en un hombre de alrededor de 45 años, volviendo nuevamente al santuario flotante, para con la nueva primavera, volver a estar como en un principio de la película, pero siendo el niño ya maestro y teniendo su propio discípulo. Toda esta historia, iniciada en la primavera infantil del protagonista, es una odisea que nos cuenta sobre el círculo de la vida, sobre la oscura naturaleza del hombre, sobre los deseos, los sentimientos, y la salvación de éste. Todo esto por medio del personaje principal y de quienes lo rodean, cumpliendo la película con un nivel trágico sobre la vida humana, pero esperanzador respecto a las capacidades del hombre por sobrellevar su trágico destino (simbolizado en las piedras de los animales al principio de la película). Al ver "Primavera...", uno le da sentido a las 4 verdades del Buda Gautama, pero de forma humana, vívida y terrenal, todo esto armonizado con los bellos parajes y el hermoso lago que sirve de telón de fondo en el film. Por tanto, si bien la trama es sencilla, el nivel de impacto emocional que producen las imágenes expuestas por Ki-duk es avasallador. Existe una fotografía altamente cuidada y perfeccionista teniendo como resultado que cada cuadro que presenta el film sea en sí mismo una obra de una belleza excesiva, revelando así la formación del director en las artes, que no es otra que la del arte pictórico. A su vez, la música que acompaña a las escenas es excelente, enalteciendo aún más las imágenes y las acciones de los personajes. En cuanto al ritmo, la película es bastante pausada. Pese a no contar con largos planos estáticos, las acciones que ocurren dentro de las escenas son mesuradas, dando mayor énfasis en la belleza de la historia junto con el nivel audiovisual casi perfecto de la narración. Por tanto, si bien para algún público pueda parecer algo lenta, desde mi perspectiva el mensaje de la película necesariamente debe ser presentada con esa pausa propia del mundo oriental budista, alejándose así claramente y de plano del mundo occidental hiper-estimulado.

Una de las mejores películas de Ki-duk sin duda. Termino diciendo lo de un principio: este film es homologable a la poesía en la literatura, esto es en esencia un cine lírico y de viaje emocional más que de impacto estimular.

Ficha Técnica

País: Corea del Sur
Año: 2003
Dirección y Guión: Kim Ki-duk
Música: Park Ji-woong
Fotografía:Baek Dong-hyeong
Reparto: Su Oh-yeong, Kim Young-min, Seo Jae-kyung, Kim Jong-ho, Ha Yeo-jin, Kim Ki-duk

Mean Streets

Tengo el agrado de comentar en esta oportunidad una película de uno de mis directores preferidos: el señor Martin Scorsese, que pese a que con el tiempo pareciera que se le ha ido gastando su genialidad, aún sigue entreteniéndonos con buenas historias y ese ritmo vertiginoso que le imprime a casi todas sus películas, marca registrada del ítalo-americano. Pues bien, hablando de ítalo-americanos, comentaré "Mean Streets", un film ambientado en Little Italy, un pequeño barrio de Nueva York, que se caracteriza por albergar a gran parte de esta comunidad (de hecho, es el barrio de Vito Corleone en el "El Padrino"), y también por residir a gran parte de la Cosa Nostra.

La historia gira alrededor de 4 personajes de este barrio: Charlie, Michael, Tony y el loco de Johnny Boy, siendo el primero de estos el eje del trama. Charlie, interpretado por un fantástico Harvey Keitel, es el sobrino de un importante jefe de la mafia que dirige los barrios de Little Italy, por lo que tiene dos cosas que a cualquier integrante de este submundo ya se quisiera: respeto y futuro ascendente. Sin embargo, su vida personal es un caos, donde impera un factor primordial: la culpa cristiana, que finalmente, debido a las malas calles en que se mueve, lo llevarán a un mal fin. Charlie es un fiel cristiano e intenta seguir los caminos que Dios abre. Por esto mismo, intenta ayudar a un joven desatado que está endeudado por miles de doláres con distintos mafiosos de estos barrios neoyorkinos: Johnny Boy, interpretado magistralmente por un muy joven Robert De Niro. Charlie intercede por Johnny y sus deudas, tanto con Tony, dueño del bar en donde se reúne gran parte de la "familia", y principalmente con Michael, un mafioso menor que quiere ganar respeto y ascender en la organización, por tanto, que un muchacho evada sus deudas con él no le hace ningún tipo de gracia, menos en el bajo mundo en donde se mueven. Es este argumento principal la excusa para presentar un despiadado relato que habla por sobre todo de la redención como filosofía autoimpuesta. Charlie sabe que las palabras son solamente eso, sonidos que se van luego de emitirlos, por lo que su forma de conseguir la redención y el perdón de sus pecados es a través de los actos. Y la cruz que ha escogido para cargar no es otra que Johnny Boy, un tipo totalmente loco y temerario sin ningún respeto por el otro como otro significativo. Es por eso que Charlie toma a Johnny e intenta salvarlo de su propia mente y de la muerte que le depara sin duda su conducta en el mndo de la mafia. Salvando a Johnny, Charlie salvará al mismo tiempo su alma. Además de Johnny, Charlie también carga con otra cruz: Teresa, la prima del primero. Teresa padece de epilepsia, por lo que debido a sus ataques es considerada una loca, pero esto no le importa al protagonista de esta historia, pues la ama, y con este amor, también espera ascender a un sitial privilegiado en el reino de Dios. Así, a través de su camino por la limpieza de su alma, Charlie se dirige inequívovamente a la destrucción de su cuerpo en manos ya no divinas, sino humanas. Su tío, Giovanni, capo de la mafia, le advierte que desvíe su camino tanto de Johnny y de Teresa, si lo que quiere es hacer carrera en la organización que el dirige. Pero Charlie a través de sus actos deja claro que lo que quiere realmente es la asunción de su alma hacia un cielo divino, no la asunción en una organización humana. Todo esto hace que las malas calles se vuelvan aún más peligrosas tanto para él como para las cruces con las que carga. Todo esto desemboca en un final que se condice con la vida en Little Italy, lugar donde Dios ni Cristo existen, pues los mataron hace bastante tiempo ya.

"Mean Streets" muestra ya la maestría con que nos iba a deleitar Scorsese en su posterior filmografía. Siendo una de sus primeras películas, aquí sienta los cimientos de lo que iba a ser su cine más potente, el cine de Taxi Driver, de Toro Salvaje y de Goodfellas, quizá las obras maestras de este director. Y por si fuera poco, aquí comienza su carrera de estrella Robert de Niro, un desconocido hasta ese momento, y que con Scorsese a partir de "Mean Streets" comenzarían una relación filmográfica que duraría por muchos años. El film cuenta con un ritmo narrativo increíblemente agitado, tal y como las malas calles que intenta plasmar. Este efecto de aceleración tiene un resultado genial, otorgándole a la película un verdadero sentido de la selva urbana a la que se quiere llegar. Desde el primer momento queda claro que veremos un film veloz y salvaje, cuando en las primeras escenas se nos presentan los 4 personajes que serán los protagonistas de la historia, dando a entender rápidamente sus personalidades características y sus formas de ser y proceder (aquí también nos podemos dar cuenta del poco presupuesto con el que contaba por esos días Scorsese, cuando vemos las los nombres de los protagonistas en pantalla de forma bastante primitiva y sin ningún efecto que cualquier niño hoy por hoy podría hacerlo en su PC). Además, podemos ver el uso que hace de la cámara Scorsese, quizá unos de los puntos más geniales de la obra. Mucho plano movimiento, travellings y cámara en mano, lo que siguen dando ese ritmo vertiginoso del que hablábamos anteriormente. Una escena destacada que demuestra esto es cuando Charlie está en el bar de Tony y se emborracha y baila, con un primer plano a la cara en contrapicado todo el momento que dura la escena hasta que cae por la ebriedad. Notable.

Sumado a todo lo que ya hemos dicho, el film presenta una banda sonora genial, con rock de los 60, 70, y también clásicos italianos, haciendo que la música ambiente la pantalla con las emociones y sobre todo las acciones de los personajes. Por último, las actuaciones son impecables, brillando con luces propias tanto Robert de Niro como Harvey Keitel. Una excelente película tanto a niveles narrativos como visuales.
Altamente recomendable.

Ficha Técnica

País: EEUU
Año: 1973
Dirección: Martin Scorsese
Guión: Martin Scorsese - Mardik Martin
Reparto: Robert De Niro, Harvey Keitel, David Proval, Amy Robinso
Género: Crimen, Drama

Dogville

Era cosa de tiempo comentar alguna película del gran director al que me voy a referir hoy: Lars Von Trier. Probablemente no sea el último film que desenglose aquí de este autor, quizá el o uno de los más grandes cineastas de la escena contemporánea, pero aquí les traigo una joya del cine mundial: "Dogville", protagonizada por una talentosísima Nicole Kidman. Si bien la intención de este blog nunca ha sido el dar análisis profundo a las películas, sino más bien mostrar de forma bastante rápida y al paso las razones de porqué ver la película, en este caso en particular me daré ciertas licencias que espero no aburran al lector, pero que de cierta manera van más por el lado interpretativo analítico. Pues bien, vamos a las razones de porqué ver "Dogville".

Antes que nada veamos que nos presenta "Dogville" como argumento. El fim está tratado como una historia dividida en 9 capítulos más un prólogo, donde este último nos presenta al pueblo de Dogville. Este pueblo se encuentra en EEUU, entre montañas poco amigables. Su población asciende a 25 personas con características muy disímiles entre ellos, pero que mantienen algo en común: son parte de Dogville, y todo lo rústico que trae consigo aquello. La historia comienza cuando Tom Edison, ciudadano de Dogville quien da cátedras de moral y ética al pueblo por creer tener un nivel intelectual superior al pobre pueblo en donde vive, se encuentra con una muchacha, Grace, que huye de unos mafiosos y necesita refugio. Tom, que entiende la miseria del pueblo debido a "su incapacidad de recibir", cita a una reunión en donde se dirime si Dogville acepta refugiar a Grace o le dan la espalda. La intención de Tom es dar la oportunidad a esta localidad de al fin tomar conciencia de su incapacidad de recibir. Luego de una discusión, se toma la decisión de tomar partido de echar o acoger a la fugitiva después de dos semanas en donde ella debe ganarse el corazón de lo habitantes del pueblo. Así, Grace pasará estas dos semanas ayudando en todo lo que pueda a la gente del pueblo, que si bien en un principio decían que no necesitaban ayuda en nada, luego, para no darle en el gusto a la teoría de Tom de que no pueden recibir, deciden aceptar la ayuda de la fugitiva. Así, transcurridas las dos semanas, la gente acepta la estadía de Grace en Dogville. A partir de este punto, la historia comienza a torcerse al punto de terminar con Grace abusada en todo sentido por los mismos habitantes que antes la habían acogido, siendo esclava en el trabajo, esclava sexual, e incluso finalmente teniendo que estar con una cadena al cuello conectada a una rueda metálica. Finalmente, en el útimo capítulo, la historia vuelve a tomar un vuelco inesperado y termina con un final impactante y que da armonía a toda la obra, alcanzando casi la perfeccion (no develaré el final, pese a que más adelante pueda dar claves de éste).

La película es una obra artística maravillosa, mirada en todo el sentido y magnitud que se le puede dar a una pieza cinematográfica. Von Trier muestra en este film el gran manejo formal que tiene en todas sus películas, pero que aquí adquieren una forma magistral. Ya alejado del Dogma 95, se da más libertad para la creatividad en pos de lo que quiere mostrar. En este caso, lo que quiere mostrar son las relaciones humanas, por tanto, la escenografía de la película y los ambientes utilizados son minimalistas al extremo. De hecho, toda la historia transcurre en Dogville, casi siempre mostrada en su totalidad, tanto por planos generales como por tomas aéreas. Sin embargo, lo más interesante de la puesta en escena es cómo esta constituído el pueblo, a saber: Dogville está sólo dibujado en el suelo negro del estudio. No hay paredes, ni puertas, ni patios, ni montañas, ni nada por el estilo. Incluso el perro de Chuck, un habitante, está dibujado en el piso sin existencia física (lograda sólo al final para darle aún más sentido al film). Las puertas suenan, el perro ladra, se riegan los jardínes, pero no se ve nada ahí, sólo los habitantes ven estos elementos, como si fuera sólo parte de Dogville, igual que sus mismos cuidadanos. Todo esto hace al espectador basarse netamente en las relaciones humanas, que es lo que finalmente quiere entregar la película. El efecto de la voz en off (magistralmente interpretada por John Hurt) también va en este sentido, mostrando las relaciones, pero así también añadiendo un elemento clave a mi parecer: la sensación de que estamos viendo una historia no real, lo que también nos entrega la forma de exposición del film, en capítulos, tal como una novela de ficción. Todo esto va sumando para considerar este film como una joya dentro del cine contemporáneo, a lo que también se destaca las grandes actuaciones que existen en "Dogville", brillando con luces propias Nicole Kidman, quizá en uno de sus mejores papeles.

Ahora, en cuanto al argumento, es un caleidoscopio de niveles de análisis. Es en este punto en que me quiero detener un momento. Se ha dado énfasis por una parte de la crítica a la visión socio-moral que estaría subyaciendo en "Dogville", dando cuenta de EEUU como un país donde impera las relaciones que se muestran en la película, tanto a nivel militar, político y económico. Es decir, el film sería un fiel reflejo, por ejemplo, del trato que se le da a los inmigrantes al entrar a este país, acogiéndolos en un principio y destruyéndolos para propio beneficio finalmente. La destrucción del sueño americano. Pero además, reflejaría esta misma forma de actuar respecto a los otros países, tomando ya a EEUU como estado y sus relaciones internacionales que seguirían la misma lógica dogvilliana, siendo la única alternativa a esto la última de acción de Grace en el film. Todo esto alimentado, además, por las declaraciones del mismo Von Trier y el sentido que quiso darle a esta pieza (no olvidar que "Dogville" es la primera entrega de una trilogía llamada "EEUU: Una Tierra de Oportunidades"). Sin embargo, yo no estoy de acuerdo con esta interpretación tan concreta. Sin importar si el autor haya o no haya querido darle esa línea, una obra luego de ser creada, deja de ser parte de su creador, pasando a las conciencias de quienes reciben el impacto artístico, sea éste pictórico, audiovisual, escrito o musical. Por tanto, creo que reducir "Dogville" a un análisis socio-moral estadounidense es insuficiente, o a lo menos, básico. A mi parecer, esta obra debiera ser analizada y recibida por el espectador como una pieza por sobre todo ético-filosófica respecto a la naturaleza humana. Este pueblo de perros, Dogville, no es ni EEUU ni ninguna otra locación particular: es el mundo humano. Todos los personajes de la película existen realmente en cualquier sociedad humana, desde el intelectualoide y cínico Tom Edison, pasando por el resentido Chuck, y terminando con la inocente y servicial Grace. Todas las personas, como en Dogville, tienen sus propias características que los diferencian de los demás, pero hay algo que es común a todos: son parte de este pueblo, incluso Tom, con sus aires de superior, e incluso Grace, que al final del film muestra la esencia del pueblo al cual perteneció por casi un año. Y esto, esta sensación endogrupal, no es otra que una sola: la naturaleza humana. Tal y como lo concebía Freud, los seres humanos no son las blancas palomas de las que hablaba Rousseau, siendo pervertidas por una sociedad pervertida. Tal como lo muestra Dogville, la sociedad es pervertida porque los hombres que construyen esta sociedad lo son. En Dogville no existe la policía, sólo mantienen el orden en forma social y consensuada. En Dogville no hay Dios tampoco, un pueblo miserable botado a la intemperie entre unas montoñas roñosas. Todo esto, que nos garantizaría un pueblo utópico en donde el bienestar es un bienestar comunitario, es un verdadero lago hirviendo para quien se atreva a tocarlo. Cuando las formas de relación son dadas por y para los hombres, éstas siempre favorecerán a intereses propios, lo queda demostrado en la humillante forma que Grace es tratada. Grace (Gracia en inglés), es la viva representación de un regalo dado a ese pueblo podrido bajo las montañas, un aire nuevo para estas personas sometidas por el rigor del tiempo. Pero, al mostrarse frágil, es llevada a un último escalafón en la escala social, siendo degradada hasta terminar sólo sirviendo favores tanto sexuales como laborales. Y esto es permitido para los perros de este pueblo, pues ellos, de forma democrática, entienden que es adecuado, por el alto riesgo que sufren resguardándola. Aquí se hace una alegoría de que no hay sistema infalible para el bienestar humano, se llame democracia, aristocracia o lo que sea: el hombre está gobernado por su naturaleza podrida, y desde esa base realiza sus acciones. Así, podemos ver que la salida de Grace, al final de la película, no es ni un castigo ni una venganza ni ninguna otra cosa. Tampoco es como, ella dice, que hay que eliminar Dogville "para que estas atrocidades no vuelvan a ocurrir", ni por "el bien de la humanidad", es por su misma condición humana (por algo Jesucristo en el relato bíblico es divino, pues carece de esta naturaleza y puede dar su vida por todos los humanos, un ser infinitamente misericordioso). Esto mismo se ve reflejado en sus acciones finales, de las que me gustaría destacar dos. Primero, el ajusticiamiento propio de Grace a Tom. Esto devela claramente el triunfo de la naturaleza humana sobre ella, y y también sobre todo lo que ella consideraba algo justificable por la dura vida de estos seres. El experimento de Tom para su propia gloria termina volándole los sesos, pero no por propia voluntad de Grace, sino por los errores sistemáticos de Tom que despiertan la naturaleza de la fugitiva, que no es más que la suya propia. Al intentar escapar de su realidad como perro de este pueblo, salirse de los parámetros de los habitantes de Dogville, no hace más que recalcar su naturaleza dogvilliana. Por más que quiera dar ejemplos a sus pares, termina comportándose igual que estos. Grace tan solo debe volverse hacia él y darse cuenta del monstruo que ha creado Tom mismo, quien se pensaba superior, por lo que tamndo ya concienciade su naturaleza humana, Grace decide ejecutarlo ("hay cosas que se deben hacer por uno mismo" diría). Por eso, son muy importantes las últimas palabras de Tom: "esto sí que es ilustración..." refiriéndose a las últimas acciones de Grace, pues si bien siempre quiso ilustrar o ejemplificar al pueblo sus malas forma de actuar, en su último minuto de vida se da cuenta de que lo que había que ilustrar es la propia naturaleza de Dogville, ejemplificada ahora por la misma angelical Grace, claro que de una forma más dura y más despiadada. Grace tampoco se escapa de Dogville, y por tanto, de su naturaleza, sino que finalmente forma parte de esta comunidad. Por tanto, los gángster y Grace finalmente no son seres superiores que destruyen un pueblo miserable e inferior como Dogville, sino que más bien son parte de este pueblo, de esta naturaleza, pero mirado desde otra arista, la arista que trae su propio poder. Por último, tal y como los pueblerinos sometieron a Grace por débil, la mafia destruye a Dogville por la misma razón. Es la misma lógica y es el mismo lugar: el pueblo de perros. Por tanto, al final del film, todos quedan en el mismo sitial de miembros naturales de este pueblo, que no es más que ser parte de la propia naturaleza humana. Lo segundo a destacar es el perro de Chuck. Este perro sobrevive luego de la destrucción, y lo demuestra ladrando cuando ya los mafiosos se van. Grace se da cuenta de ello, y decide dejarlo vivo, dando a entender que si sobrevivió, fue por algo, por lo que no debe ser muerto. ¿Cuáles fueron las razones de la fugitiva en dejarlo vivo? El perro de Chuck no era primariamente parte de Chuck. El perro era parte del pueblo porque su dueño era habitante de éste. Pero se limitaba a estar dibujado, sin ninguna existencia real dentro del pueblo, al igual que las murallas. Así, el perro no es sino una mera continuación de Dogville, pero no un integrante de ésta. Por lo mismo, el perro es el único sobreviviente del pueblo, pues nunca fue parte de éste, por no compartir su naturaleza. El perro no es humano ni se rige por la moralidad humana: el perro es un perro que vive como todos los demás perros, con su propia naturaleza perruna. Y es así que al final del film, en la última imagen de la película antes de los créditos, se le ve al perro volviendo a su naturaleza perruna, tomando su propio cuerpo de perro, ahora que todo Dogville ha sido destruido. Vuelve a su naturaleza perruna ahora que no existe humano que la controle, tal y como se controlan entre ellos mismos, propio de su naturaleza humana.

Pues bien, podría seguir infinitamente analizando esta película y sus múltiples mensajes, pero no es lo que se espera de aquí. Creo que con esto es suficiente análisis, y pido disculpas por lo extensa de esta entrada, pero que es que "Dogville" lo merece. Por tanto, esta película no sólo la recomiendo, sino que adquiere el caracter de IMPRESCINDIBLE.

Ficha Técnica

País: Dinamarca
Año: 2003
Dirección y Guión: Lars Von Trier
Género: Drama
Reparto:Nicole Kidman, Harriet Andersson, Laren Bacall, Jean Marc-Barr, Paul Bettany, Blair Brown, James Caan, Patricia Clarkson, Jeremy Davies, Ben Gazzara, Philip Baker Hall, John Hurt

Videodrome

Demencial, pesadillesca, visceral, grotesca. Todos estos apelativos y muchos otros se le podrían asignar a este film del siempre extraño Cronenberg. Esta odisea moderna está protagonizada por Max Renn (James Wood), dueño del canal 83, en donde se transmiten mayoritariamente programas piratas en donde el sexo y la violencia son el eje central. Un día logra dar con una señal pirata en donde transmiten un programa en que se tortura a los participantes, y luego terminan asesinados. Lo que luego descubre Max es que en realidad este programa no es ficticio, sino que es un show real televisado, y que además, tiene un nombre: videodromo. Se obsesiona tanto con este programa, que Max comienza a entender de qué se trata el videodromo... que no es sólo un show, sino un sistema mucho más complejo que aboga por el control y la sumisión social, y que los ojos de este siniestro complejo están puestos en él ahora, para maquinar este ideal. Y es a partir de todo este argumento en donde se desmenuza la historia autodestructiva de este hombre y de su medio, que no es otro que el medio televisivo. Y la televisión no es sólo un medio de comunicación, sino que como dice Brian O'Blivion en el film "es la retina del mundo". La televisión es la sociedad real en sí misma, en donde no hay diferencias entre lo ficiticio de un programa y la verdad de la vida. El videodromo es tan complejo poque está en todos los espacios sociales, por eso es imposible evadir sus alucinaciones y, finalmente, sus órdenes hipnóticas.

La película tiene elementos notables que la llevan al sitial de pelicula de culto: un trato de la cámara al que Cronenberg ya nos tiene acostumbrado, un argumento algo confuso pero potente, un ritmo vertiginoso, y claro, siendo Cronenberg, no podían faltar las imágenes impactántes que van nutriendo el relato fantástico y de suspense del filme. La visión del autor como crítica a la televisión está clara: un medio alienante para el ser humano y manejada por seres oscuros que destellan estos rayos catódicos para sus propios fines. Hace tiempo ya que la televisión pasó a ser parte de la realidad misma de la cultura occidental, donde ya no hay límites entre la ficción y la vida real. Las personas según el profeta canadiense terminarían siendo rebaños para los poderosos que le darían órdenes subliminales de cómo comportarse en su vida en general. Lo interesante de la película es que Cronenberg lo lleva a niveles ridículos que termina inquietando al espectador, como es la modificación incluso corpórea del humano al contactarse con el videodromo, como nuevos órganos surgidos en el cerebro, la fusión con máquinas (notable la escena en donde Max termina asimilando a su cuerpo una pistola con la que mata tanto a sus socios como a la cabeza visible de videodromo, y también a sí mismo), y agujeros en el abdomen emulando una vagina en donde se depositan videotapes que dan las respectivas instrucciones.
Como es común en Cronenberg, el ser humano se termina por fusionar con sus máquinas, siendo estas una expansión de lo biológico y mental. Esto, lejos de ser algo positivo, es un signo alienante del hombre con su medio tecnológico. Es por eso que Max se termina revelando contra todo su mundo, quitándose la vida, por lo menos corpóreamente, dando paso a la "nueva carne" con la que hacer frente al videodromo, que lejos de de desaparecer, parece haber agarrado más fuerza luego de lo acontecido en la película.

En síntesis, "Videodrome" es una excelente película, extraña por sobre todo, y con grandes logros tanto a niveles visuales como narrativos. Para los amantes de lo bizarro, imprescindible. Para el públio en general, interesante.

Ficha Técnica

País: Canadá
Año: 1983
Dirección y guión: David Cronenberg
Edición: Ronald Sanders
Elenco: James Wood, Sonja Smiths, Deborah Harry, Peter Dvorsky, Lee Carlson, Jack Creley, Lynne Gorman.
Género: Thriller, Ciencia Ficción, Horror

Tianbian Yiduo Yun (o "The wayward cloud", o "La Nube Errante")

Comenzando este blog de cine, al estilo de "le recomendamos ver para hoy...", tengo el gusto de presentarles el film "La Nube Errante", una película del 2005 escrita y dirigida por el genial malayo Tsai Ming-Liang, que si bien, como dije recién, es de Malasia, es parte del nuevo cine taiwanés que viene dando noticias ya hace tiempo en la movida contemporánea. Y Ming-Liang hoy por hoy en la escena del cine mundial se erige como uno de los directores más influyentes del mundo, al nivel de glorias como Lars Von Trier o Peter Greenaway. Pues bien, luego de esta brevísima presentación, vamos a la nuestro: porqué el lector debiera ver este film.

"La Nube Errante" es una película imposible de encasillar dentro de un género propiamente tal, sino que explora distintas formas cinematográficas: tiene tintes de comedia, musical, drama, y pornografía. Dentro de la filmografía de Ming-Liang Tsai, esta, sin duda, es la apuesta más potente presentada a niveles visuales. Es una película incómoda de principio a fin, tanto por la narrativa del argumento como por su puesta en escena y manejo de la cámara, con todas aquellas características que lo han hecho conocido anteriormente: un ritmo narrativo pausado, planos estáticos en ángulos poco habituales, y espacios abiertos. Veamos el argumento antes de seguir analizando: Taiwán está devastada por una terrible sequía, por lo que la televisión, a modo de control social para el bienestar común, doctrina a la gente en cómo hacerle el paso a esta difícil situación. La sandía está con los precios por el suelo, por lo que es la fuente de líquido más factible a la hora de saciar la sed. Es en este escenario donde se darrolla la historia de los personajes principales: Hsiao-kang (un personaje recurrente en los filmes de Tsai, como Antoine Doinel para Truffaut) y Shiang-chyi. La historia transcurre en la relación entre estos dos personajes que se encuentran fortuitamente en su búsqueda de agua (y que ya se conocían de otra película de Tsai, What Time is it There?, donde Hsiao-kang le vende un reloj a Shiang-chyi), comenzando un torcido lazo afectivo-sexual en el mar de soledad que significa la Taiwán en crisis. Éste es el eje central de la película, teniendo en cuenta un detalle: que Hsiao-kang es actor porno, lo que hace dar coherencia a todo lo que acontece en la película a medida que esta avanza.

Con este argumento, Tsai nos muestra una película que lo que más podría definirla es la emoción. "La Nube Errante" es un viaje audiovisual por la cruel imagen de la soledad y las ansias de amor en ese mundo espectral dominado por la carencia. El agua, motor en las películas de Tsai, es el símbolo de la carencia afectiva que existe en el mundo que nos presenta el film. Los movimientos de los personajes están dominados por las ansias del vital elemento, teniendo a la sandía como un reemplazante poco enriquecedor y algo vacuo, tal y como el sexo pornográfico de Hsiao-kang. Este viaje de sensaciones descrito es logrado a través de la apuesta de Tsai en la forma de presentar la narrativa audiovisual en "La Nube Errante": planos estáticos larguísimos, la casi total ausencia de diálogos, abuso de planos generales, y un ritmo argumental pausado. Lo que se detecta en la película es una intención de sensibilizar a través de la observación, y no tanto de la acción. A esto se le suma lo fuerte de las escenas de sexo, también como recurso que acentúa la tensión emocional en el espectador, y perturbando el clima del film. Notable también son las intervenciones musicales, muchas veces enlazando en un mundo de fantasía humorístico-onírico-absurdo las crueles realidades que viven los personajes, mostrando hasta el rídiculo elementos estrafalarios y ostentosos (como la hiperestimulación visual dada por los colores, el número de gente en escena, elementos utilizados en el cuadro, etc) como forma de denotar la carencia de la realidad.

En síntesis, una excelente película, aunque difícil de ver para alguien que gusta de las películas con mucha acción o de ritmo vertiginoso. Tampoco es una película para pieles sensibles, pues hay escenas de sexo explícito, como los últimos 15 minutos de metraje, en donde el film llega al clímax narrativo con una escena no del todo ortodoxa, pero necesaria para también llevar al clímax emocional al espectador. No podría de haber sido de otra forma "La Nube Errante", si bien en pasajes es incómoda, molesta y "pesada", todo es necesario para el sinuoso camino que nos presenta. Veánla para que se hagan una opinión ustedes mismo.

Altamente recomendada

Ficha Técnica

Dirección y Guión: Tsai Ming-Liang
Países: Taiwán, Francia
Año: 2005
Género: Comedia, Drama, Musical, Erótica
Actores principales: Chen Shiang - chyi (Shiang-chyi); Lee Kang-sheen (Hsiao-kang)
Producción: Vincent Wang y Bruno Pesery